par Julia Tavares

 

Pour l’artiste et activiste Lyz Parayzo, le monde est un champ de bataille, et son art, une munition. Face aux violences que son identité trans féminine catalyse au quotidien, sa tactique a été d'infiltrer les espaces de pouvoir afin d'amplifier et de diffuser ses idées auprès d'un public plus large. À cette fin, elle a relevé le défi de concevoir des œuvres d'art pouvant être cataloguées, exposées et acquises par des collections, tout en fournissant simultanément un support approprié pour mettre en évidence et questionner l'absence de corps dissidents dans de tels espaces.

 

Propulsée par ce besoin vital d’auto-représentation, Parayzo a été conçue comme une installation immersive qui encourage la participation physique et intellectuelle du visiteur à travers la création d’un écosystème interactif. L'exposition résume un organisme aux architectures biologiques dans lequel chacune de ses cellules est formée par la rotation d'une ligne, s'appuyant sur une interprétation organique de l'abstraction géométrique. Elle marque l'aboutissement d'années d'exploration dans le domaine de la sculpture et de la fabrication de bijoux avec le métal, un matériau que l'artiste récupère adroitement du domaine hyper-masculin de la soudure afin de brouiller les conceptions binaires du genre.

 

D'autre part, cette nouvelle recherche sur le mouvement ne s'inscrit pas seulement dans la continuité de sa série d'objets d'autodéfense (qui citent plastiquement une esthétique concrète basée sur des concepts tels que la gestalt, le couper et le plier), mais constitue également une tentative de spatialisation de son travail. et créer de nouvelles zones de tension et d'attention au sein de l'espace d'exposition. Dans sa réinterprétation de la sculpture cinétique et optique, elle s'inspire d'un héritage constructiviste international — un héritage qui n'est pas, comme son itération néo-béton dans le contexte brésilien, lié à la collaboration du public, mais plutôt dans l'intention inverse de faire le spectateur actif à travers les simulacres du danger. Ce faisant, elle s’approprie également un territoire historiquement réservé aux élites cis-hétéronormatives.

 

Poursuivant l’impulsion du concrétisme d’interaction entre le public et l’œuvre, l’artiste établit une relation directe entre le visiteur et ses sculptures métalliques. Cela est particulièrement vrai de ses scies circulaires giratoires, ou « mobiles » : ces entités en aluminium échancrées tournent mécaniquement sur leur propre axe et sont disséminées dans les deux salles qui composent l'exposition afin de tracer le parcours du spectateur dans l'espace d'exposition — le la menace de blessures corporelles inspirées par leur proximité est ici bien réelle. Entourés de halos de lumière rose, les mobiles invitent et repoussent à la fois, articulant ainsi une dichotomie entre les signifiants universels de la féminité et la violence évoquée par la mobilité et la matérialité de l’œuvre.

 

Cette même tension se retrouve dans la série d'œuvres à petite échelle de Joias Bélicas, qui peuvent être considérées comme des témoignages matériels des histoires orales des travestis que Lyz Parayzo a rencontrés tout au long de ses années d'étudiante en beaux-arts dans son Rio de Janeiro natal. À la fois accessoires portables et œuvres d’art, la fonctionnalité des bijoux est compensée par leurs arêtes vives et leur design dentelé : l’évocation symbolique de l’autodéfense dans ses sculptures à grande échelle est ici actualisée dans le potentiel de l’œuvre à être utilisée à des fins de représailles. C’est dans ce mécanisme que réside le nœud de l’œuvre de l’artiste : autant l’installation présentée est composée d’objets esthétiques polis, autant ceux-ci sont en fait des armes de survie. A travers eux, elle mène une stratégie thérapeutique pour redistribuer les violences qui sont régulièrement exercées sur son corps. Les autres structures qui tapissent les murs de la première salle de la galerie reproduisent ce sentiment belliqueux.

— Peut-être le plus flagrant, l'Escudo Ouriço se dresse de manière imposante à une hauteur de 2,4 mètres au centre du mur de la galerie principale. Dans sa monumentalité ravissante, il incarne le désir de l’artiste de s’affirmer dans une réalité sociale qui obscurcit et aliène régulièrement les sujets non hétéronormatifs. Selon les propres mots de Lyz : « Je n’ai jamais été invité à être dans l’espace de l’art. J'ai dû conquérir cet endroit avec violence ». L’art, dans sa pratique, est continuellement activé comme un instrument de résistance permettant de perturber et de re-signifier les sièges culturels du pouvoir traditionnellement occupés par les artistes blancs et cis-masculins.

 

En même temps qu’elle aborde les questions de performativité et de genre omniprésentes dans une lecture poststructuraliste de la société, son travail s’enracine de manière importante dans une production symbolique propre à l’Amérique latine. Disposées dans le coin gauche le plus au nord de la première salle, les installations murales « popcretos » font référence à la phase de re-signification du concrétisme dans l'œuvre de l'artiste italien Waldemar Cordeiro, auteur du manifeste brésilien du béton. Les allusions au projet néo-concret brésilien placent la pratique de l'artiste en dialogue constant avec le local et le global : son travail se situe à l'intersection entre les problématiques universelles liées aux identités de genre non conformes et les réalités subjectives du contexte latino-américain résultant de une histoire violente de colonialisme et de métissage.

 

L'exposition se termine par une œuvre audiovisuelle qui donne un aperçu des différents éléments qui composent Lyz Parayzo, tout en exposant de manière didactique les problèmes auxquels est confrontée collectivement la communauté T au Brésil aujourd'hui. Exposée dans la deuxième salle, Trojan Horse plonge dans le parcours personnel de l’artiste alors qu’elle était étudiante en Master à la prestigieuse Ecole des Beaux-Arts de Paris, où elle aborde les questions de dysphorie et de construction identitaire. À l’aide d’images symboliques et de scénarios oniriques, il dépeint visuellement une réalité dans laquelle un corps d’immigré trans peut accéder à l’éducation et à la professionnalisation.

 

Parayzo s'appuie sur une croyance dans la construction de nouveaux imaginaires pour finalement façonner les réalités vécues par les corps marginaux. Il érige un labyrinthe d’exposition hautement esthétisé mais résolument politique – lui-même un imaginaire tangible de la propre idéation de l’artiste. En construisant ce microcosme, Lyz Parayzo s'efforce de matérialiser et d'afficher les expériences quotidiennes de violence dans une perspective autobiographique. À travers l’exercice de l’autodétermination, elle continue de défier et de dénoncer les structures politiques qui ont favorisé et permis à une telle violence de persister sans contrôle.